Films and more: películas, teatro y más

Perdido en las subtramas. Este podría ser el resumen de lo que sucede a Cronenberg en The Shrouds y, a su vez, lo que le pasa al espectador que no entiende para qué tanto añadido cuando la base y le idea es tan potente. Obsesionado con el cuerpo, Cronenberg va un paso más allá en esta trama en el que su protagonista parece estar obsesionado con el cuerpo de su esposa, incluso muerta. Crea un sistema para ver cómo se descompone en su tumba, igual que la vio 'descomponerse' por culpa de una enfermedad, hecho que, en cierto modo, también parece que le excitaba de algún modo, a la vez que le impedía tocarla. ¿Se puede poseer un cuerpo, ya sea vivo o muerto? ¿Puede uno sentirse atraído por un cuerpo siempre en descomposición? Y si es así, ¿eso no haría incluso desear ver cómo se descompone? ¿Si nunca uno consigue hacerse con el cuerpo deseado del otro, puede contentarse con algo tan intangible como la IA? Estas y muchas más preguntas pueden abrirse en función de este planteamiento ...

Primera reacción que uno siente al ver la película: " ¿Telecinco produciendo una peli en catalán? Parece la confirmación de que el cine hecho en Cataluña ha conseguido derribar ya casi todas las barreras". El cine en catalán no es que sea poco común, pero mainstream lo ha sido poco. Pa negre  lo fue en su día y, en 2024, Casa en flames  y El 47  demostraron que es posible. Claro que la trampa es que, fuera de Cataluña, estas pelis se doblaban. Es por eso que muchos directores catalanes , en su momento, rodaban directamente en castellano. Javier Ruiz Caldera , natural de Viladecans, hasta ahora siempre ha hecho películas en castellano y con un éxito arrollador. Spanish movie , Anacleto , Tres bodas de más o Superlópez son solo un ejemplo. Pues bien, Telecinco y Ruiz Caldera, que ya han hecho algunas producciones juntos, se han pasado al cine en catalán. ¿Eso ha cambiado algo en ellos? No , pero es un paso más contra el miedo a rodar en la lengua de uno. Dicho esto. No...

Nueva entrega biográfica de Pablo Larraín . Una vez más es una mujer de gran poder. Pero si bien Jackie Kennedy y Lady Di eran mandatarias, aunque fueran consortes, Maria Callas era poderosa en el mundo de la cultura. Su figura era tan admirada como temida. Y el cineasta chileno trata de desvelar por qué. Larraín repite modelo . En vez de hacer un repaso de toda la vida de su protagonista, elige un periodo delimitado en el tiempo. Luego, ya añade flashbacks. Así, para Maria elige la última semana de vida de la soprano griega, aunque partiendo desde el día de su muerte . A lo largo de la cinta, Larraín  nos muestra una Callas soberbia y frágil, muy frágil. Consume una cantidad ingente de pastillas , confunde realidad e imaginación, los recuerdos de su vida le pesan, incluso la música. La Callas quiere volver a cantar, pero no puede. Sea el dolor, las pastillas o su propio pasado, la voz no le sale , no es la que era. Mientras eso sucede, su figura, su carácter se agria. Sale la div...

Analizar The brutalist casi que requiere separar partes. Como la película. La primera es una película que captura, especialmente, por su imagen. Desde la llegada del barco László Tóth ( Adrien Brody ) a Ellis Island, con un plano de la estatua de la libertad que viene a resumir de lo que la película, hasta que llega el intermedio, plano a plano es un canto a la buena fotografía, a la técnica, a los 70mm y a la VistaVision . Los planos valen por sí solos.  El cineasta Brady Corbet demuestra que una película así merece la pena ser vista en pantalla grande, con algo de grano, para poder ponerse en la piel de lo que sucede y devolviendo al cine su majestuosidad. En la s egunda parte también se deja notar. El viaje a las curvas de mármol de Carrara , la fiesta final e incluso el momento previo al epílogo están cargados de emoción, decadencia y brutalidad. Y ya cuando el epílogo recorre el edificio monumental que ha creado el protagonista y se explica su significado, uno puede ve...

Que nadie se confunda al leer el título de la obra y el cartel. Esta obra no va de mariquitas. El mismo protagonista rechaza esa etiqueta, es gay. Y punto. El resto de asuntos le son superiores, le exceden y lo ahogan. Oriol Puig Grau lleva a la Sala Petita del TNC una obra que se aparta de ese teatro reivindicativo de lo gay como algo disidente, barroco, fiestero, cargado de plumas, excesos y ' massa brillant '. Su protagonista vive su mejor noche cuando decide ir con su novio a una fiesta drag. Le entra de todo. ¿Plumofobia? ¿Rechazo de sí mismo? No, sólo que ese mundo gay, esa parte del mundo LBTBIQ+ , no va con él. Lo ve desde lejos como algo ajeno, pero en el que no ve cómo encaja. Todo ello viene cargado de sobreentendidos , de guardarse las cosas para uno, de tentar a la suerte con quien le da paz y de estallar ante lo que ve un exceso. No lo odia, no lo repudia, sólo que no es el mundo que le interesa.  Puede resultar poco, pero no lo es. Encontrar una obra teatral en...

El tráiler y la crítica de Queer   prometen mucho más de lo que el film ofrece. Y aun así, eso no es lo peor de la película. La nueva cinta de Luca Guadagnino se queda en un intento de llevar a la pantalla la obra homónima de William Burroughs , que si dicen que es inadaptable, por algo será. El atrevimiento siempre es bienvenido, claro, pero para hacer una película más de un gay cuyo amor no es correspondido , no valía la pena el esfuerzo. Puede que esto suene reduccionista, pero no lo es tanto. La película sigue a Lee ( Daniel Craig ), un yanki que vive expatriado en el México de los 50 donde disfruta de rendas y, sobre todo, de las drogas, el alcohol y los hombres. Hasta que un día Gene ( Daan de Wit ), mucho más joven que él, se cruza en su camino. Juntos tendrán un affaire que no acaba de llegar a buen puerto, lo que sume a Lee en la desesperación . Aun así, no desistirá en su conquista y lo invitará a viajar con él por Suramérica hasta adentrarse en la selva ecuatoriana para...

Decente debut en el largometraje del catalán Aitor Echeverría , en el que sin poner mucho tinte dramático habla de la adicción al alcohol. Marga ( Emma Suárez ) es una arquitecta que ha caído en el alcoholismo hasta extremos peligrosos para su vida y la de los demás. Su hija, Blanca ( Natalia de Molina ), preocupada por su situación se vuelca en la rehabilitación de su progenitora. Mucho. Desconfía de ella, piensa en los riesgos, se obsesiona hasta no poder llevar a cabo su trabajo. Blanca se dedica a la danza , está ensayando un proyecto, pero no puede dedicarse a ello al 100%. Su madre le preocupa demasiado. Por su parte, Marga tiene serias dificultades en poder retomar su vida sin alcohol . Pero sobre todo, no puede con el extremo control al que se siente sometida, observada tanto por su hija como por su marido ( Darío Grandinetti ). Le abruma. Si ya no puede vivir sin alcohol, aún menos que la traten como si fuera una niña una incapaz. ¿Pero no lo es? La gracia de la película radic...

La mirada de Paolo Sorrentino siempre estuvo contaminada . De otros cineastas y de esa educación napolitana, bien macha, hacia la mujer. Criticarle por eso cada vez que hace una película en que la protagonista es una mujer es no ver más allá. Sí, Youth , tenía mucha lascivia en la mirada hacia la mujer. Pero era en buena parte porque los personajes hombres que miraban a las 'féminas' era esa. Sorrentino se impregnó de su educación y entorno, pero también reflejó una realidad. Babosa, sí, pero real. Cuando uno ve las imágenes del trailer de Parthenope uno piensa que se va a encontrar lo mismo: una mirada tan hipnótica como masculinizada y macha de una mujer , casi un ser mitológico. Nada que ver. Parthenope no es mirada con lascivia desde la cámara de Sorrentino, igual que tampoco la mira así su hermano, su primer amor y otros personajes que pasan por su vida. El objetivo del cineasta recorre su cuerpo hipnotizado, encantado por los movimientos y la piel de una mujer que es abso...

Me cuesta entender la gran acogida de crítica e incluso el León de Oro en Venecia a la nueva película de Pedro Almodóvar . Quiero pensar que es por los aires a despedida que deja intuir en sus recientes films el español y que hace que las palabras de sus personajes parezcan las suyas propias. Para lo bueno y para lo malo. Siempre ha sido así, es cierto, pero este primer largometraje en inglés suena a todo lo que uno temía que pudiera pasar, que casi nada fluyera. Los rasgos distintivos de Almodóvar están : mucho melodrama, música de Alberto Iglesias, colores intensos, hermosa fotografía, escenarios que parecen exagerados en su decoración, referencias múltiples y dos grandes actrices. Todo eso que ha hecho tan especial a Almodóvar está en La habitación de al lado . Se diría que casi literal, porque parece que es al lado, en algún lugar cercano, donde se ha de ir a buscar al realizador, el contenido que hacía todo aquello tan especial. La decoración, los colores y el drama están, pero m...

Dificilísimo hablar de The substance  (Coraline Fargeat, 2024) cuando el hype es tan alto. Aquí un servidor iba precavido. Los elogios no han dejado de sucederse desde el paso de la película por Cannes y, lo cierto, es que la película da que hablar. No tanto por el contenido, sino por sus formas. De hecho, se podría decir que una vez vista sorprende que el premio recibido en Cannes fuera al de guion . No es que sea malo, pero tampoco brilla como lo hace la puesta en escena. Sí, La substancia  es un golpe al patriarcado y al mercado o, si se quiere, a la exaltación de la juventud y al canon de belleza de la mujer. Nada que el trailer no revele. Una presentadora de televisión, Elisabeth Sparkle, decide tomar una sustancia porque para los productores ya es una vieja por pasar de los 50 años. Tampoco hace falta ser Einstein para deducir que lo que parece un milagro no le va a salir gratis . Porque en efecto pasa eso. ¿Qué tiene el guion de especial? Tal vez las formas. Es una...

A Rodrigo Cortés se le acusa de tocar demasiados palos. Eso que para muchos es un artista disciplinar, no parece aplicarse a este hombre con una de las plumas más afiladas e ingeniosas del panorama español. Si cine , si bien es más irregular, es cierto que se amolda, de alguna manera, a ese género llamado thriller que, si bien suele ser más comercial , en su mano se convierte en algo más complejo, a veces incluso de tener un hilo conductor que a veces es cortado y anudado de forma precaria. No creo que este sea el caso de Escape . Con esta película, el Cortés director ha agarrado de la mano al columnista y al narrador para confeccionar una de sus mejores películas . Más allá de que se pueda estar de acuerdo o no con lo ideológico, que hay y mucho, el cineasta nos embarca en una historia que es tan extraña como un cuadro surrealista, con una trama más borgiana y unos personajes kafkianos . Juntar todos estos elementos tiene sus riesgos, obvio y más cuando se aborda una temática tan co...

Lo de Seidl es de otro nivel, incluidos los documentales. Primero, uno se pregunta si realmente lo son, para después quedar en unos mundos que no se pueden creer de lo bizarros que son. ¿Tal vez por eso de que la realidad supera la ficción? Claro que, qué más da si uno siente que todo esto, por extraño y perverso que sea, puede ser real. Hay un atisbo de posibilidad que así sea. Quizás porque ya sabemos que el ser humano es capaz de todo. Y Seidl hace un cine que lo demuestra. Por los sótanos que filma el cineasta austríaco vemos pasar a un cazador obsesionado por las cabezas de los animales a los que da muerte y tiene colgados en las paredes de su casa. No falta un supuesto señor adorable que toca instrumentos por su sótano, donde se reúne también con una banda. U na banda nazi nostálgica de esa Austria . Eso sin contar con el que se ha montado un espacio para la práctica de tiro en el que se reúnen unos xenófobos a mejorar su puntería con sus armas. También bajo estas casas no f...

Todo lo que han leído de Megalopolis es cierto. Es, directamente, infumable. No es para andarse con rodeos. La pretenciosidad de Francis Ford Coppola sólo revela que la ambición de sus personajes sale, directamente, de su pluma y, por tanto, de él. Durante toda la cinta, uno de deja de preguntarse si el responsable de El Padrino no ha hecho esta película para redimirse de su ambición e incluso de su lujuria en otras épocas. Y más cuando uno ve que la cinta está dedicada a su mujer Eleanor , recientemente fallecida. Pero bueno, eso sería entrar ya en temas muy personales. Megalopolis quiere ser digna de su nombre y del creador de la misma en la ficción (Cesar Catalina) y en realidad ( Coppola ), pero falla en el intento. No se ve una obra magna, ni siquiera un ejercicio de estilo monumental. Más bien luce como un artefacto de efectos que quieren ser espectaculares y lo único que remarcan es que pretenden ser un lazo dorado para tapar lo que hay debajo, nada. Los más fans pueden alega...

A Christophe Honoré se le podrán criticar muchas cosas, pero en este Marcello mio  da un salto. Al menos, en las formas. La cinta rompe las convenciones del biopic tradicional al uso y, jugando con la autoficción, deviene un tierno homenaje a la figura de  Marcello Mastroianni . Y sí, de paso la hija aprovecha para reivindicarse, pero eso es otro tema. Aquí todo el mundo hace de sí mismo y se llama por su nombre, desde Chiara Mastroianni a la Deneuve , pasando por Fabrice Luchini , Melvil Poupaud o Nicole García . Esta última es la que desata la trama al rechazar a la hija del actor homenajeado. A partir de allí, Chiara en una especie de tormento por ser 'hija de' , hasta verse tal cual es su padre y hacerse pasar por él. Adoptar su vida, su estilo, su ropa, si galantería... Todo. Algo que provoca cierto caos y cariño por parte de su entorno. Si bien es cierto que la película no encuentra un camino claro sobre lo que quiere contar, tiene puntos muy rescatables. Sí, juega ca...